(Segue l’intervista in italiano)

Nicolas Party’s interest in the historical precedents of painting is mixed, throughout his production, with the artist’s inquisitive energy: his meticulously crafted oil paintings and wall drawings – often depicting familiar still life subjects such as flowers or pots – are made alive by a glow of lively, luminous color.

From the pastel on canvas to the charcoal wall drawings, the visitor will experience a journey from the liveliness of colors to the most primal of mark-making materials. Charcoal’s primary nature will create an immediate, tactile connection with the wall’s surface, that provides the ground for a sort of trompe-l’œil illusion.

The show at kaufmann repetto will also feature a series of new pastels depicting imaginary landscapes, spaced out by sculptural ceramic teapot beaks sticking out from the walls. While coffee pots and tableware are recurring subjects in Nicolas Party’s work that may recall historical painters such as Giorgio Morandi, Party’s paintings and pastels, with their often improbable proportions and unrepresentative, vivid colors, create a sense of painting as something deeply contemporary and tangible.

We asked some questions to the Nicolas Party.

ATP: What are the main inspiration sources for your artworks?

Nicolas Party: The idea of “inspiration” is a pretty difficult matter. It could be many different things, from a history book to a ginger flavored chocolate.

I like Milton Avery. He is someone that inspires me at the moment. Somehow he is a mixture between Rousseau, Gauguin and Alex Katz, three artists that I love. It is like having all your favorite flavors into one ice-cream cone. I like how he uses flat surfaces to describe spaces and figures. But specifically I am inspired and surprised by how he composes his paintings. His compositions are always on the edge of being completely wrong but he still manages to make them perfect through a little shift. The seagull seems boring in the center of the sky but, because it is just a little bit on the left, the whole painting becomes alive and dynamic. He is almost ironic with the way he composes his painting. I really like that.

I also love reading Patrick Modiano at the moment and how he describes time and memory. The idea that time is a material that you could use like you would use clay to build all sorts of forms is very exciting. I like to see art as a tool to travel time and history. When you look at Velasqueze’s paintings two different times are in contact. In the most natural way, two extremes of time collide dramatically and meet for a brief moment. And when you go the Victoria and Albert Museum in London it’s like being in a massive soup of time, it’s very stimulating, you don’t need the Delorean to travel in time.

Furthermore after spending a week in Italy I found the experience of food to be very inspiring. Every single detail is resolved in the most simple yet perfect way. Like in a Morandi painting. There are no useless decorations on the plate that will disturb the experience. This is only possible when the food is very self-confident. It doesn’t need any make up. I think this is something that every artist tries to achieve.

ATP: How did you develop the exhibition at the kaufamnn repetto gallery? How did you use the double space of the gallery?

NP: I tried to respond to the specific nature of the space. In this space specifically I was interested in the sensation of constantly entering new spaces; by opening the gates to the courtyard, then the doors to enter the gallery, then the narrow stairs that lead downstairs. You always go through something to access to the next room and the next work. It’s one of the reasons why I decided to draw two women looking even further in the distance. You see them from the back and you look at them looking further into the horizon. Similarly to the painting by Carl Gaspard Friedrich “Wanderer above the sea fog”. The space is blocked by a wall and you can’t walk further. But the image painted on the wall almost allows, to go through the wall, like Harry Potter at the train station. In order to create contrast I decided to hang a portrait, that looks straight at the viewer, at the end of the staircase bringing downstairs, creating the opposite sensation of the space becoming smaller.

Of course the very peculiar structure of the double space of the gallery was very important. It acts almost like a mirror space. First of all I like how this coincides with the fact that the gallery is run by two sisters. I like these coincidences and I always try to use them. I played with the idea of twins, sisters and pairs in different ways.  For example the pastels are made as pairs, I like how they look similar at first and how you start to see the differences after looking at them for longer. The small differences make each of the pastels distinctive. Also, in the two large wall drawings, each of them responds to the other. They create a conversation. They both have a different character but coexist in the same space.

ATP: You made two big charcoal drawings directly on the walls, working intensely in the space. How did you choose the subjects? Do they have a particular meaning?

NP: I recently tried to make wall drawings by reproducing other artist’s work on the wall. For this show I reproduced two nudes by Felix Vallotton. I try to see this process in various ways. It could be the classic exercise of coping an old master. But rather than going to the gallery to look at the painting in order to make a drawing, I made a drawing in the gallery by looking at the painting.

The wall drawing comes from a painting already exists is in art history, almost fixed in time. But due to the nature of the wall drawing itself, it makes the reproduction ephemeral and the use of charcoals makes it fragile and unstable. I like the contrast between these two aspects.

The subject of nude women is something that I wanted to play with in this show. One of the great aspects of kaufmann repetto is a strong presence of women in the program, in fact half of the artists are women, which is pretty unique today. For the show I wanted to create a piece that will play with this aspect. By doing two large scale nudes of women in the space I wanted to use a subject that was a caricature of male art. I wanted to do a piece that will play with my male condition with humor. My work has often an element of sexuality and gender. I’m fascinated by gender characterization in our society and how it affects so many parts of our life. “Gender Studies” started in the 60s and I feel that those questions are still relevant in various aspects of our society, for better or for worse.

ATP: In your artwork you often space out paintings and drawings, objects or sculptures. What is the relation between the shapes represented – being landscapes or stylised objects – and those installed as objects?

NP: The relationships between works are essential. I actually never see one work by itself. When they are alone I always feel they miss something, instead it is in the relationship itself that I think something happens.

You need tomatoes, olive oil, salt and then a person to eat it, you also need the plate, the table, the restaurant etc…it is never ending. It’s all those things in relation to each other that make a tasty meal. It the same with colors, a color by itself doesn’t mean anything. It’s only the relationship between them that makes something happen in a painting.

To me a show is when different works, with different voices have a discussion all together.

ATP: Morandi is often quoted – the par-excellence painter of still lives – in relation to your practice. What is your opinion about this comparison?

NP: Giorgio Morandi’s way of being outside any modernist movement is very fascinating in our days. I think a lot of young artists are very inspired by that. It’s somehow a way of redefining freedom and creativity. Modern art history teaches that contemporary art is made through the avant-garde and the great revolutions they bring, novelty and originality are the values. I like how some artists, like Morandi see novelty as something unimportant. It’s something else that they look at.

I love Morandi’s work! He greatly influences on me on various levels. His remarkable attitude at working extremely hard on the most simple subject to get the most essential meaning of things is a great lesson. It’s really a lesson of how to look at things, how to see deeper than the surface things. Getting inside. He painted the same objects for all his life, observing them for hours and hours. I think he looked at them so much that he was literally inside the matter of the objects. Painting the atoms of the bottles instead of painting the surface of the bottle. When you look at his paintings it’s amazing how they have this incredible texture, everything seems to move and the objects seems to be alive. In English the word “still life” implies the idea of something not in movement. I think that Morandi was seeing everything in movement, like a scientist that looked inside the matter with a microscope. Instead of a microscope he only used his eyes to look and a brush to make the movement visible.

ATP: In your exhibition one often has the impression of being submerged in real environments. You don’t limit yourself to the realization of paintings and drawings, but you create immersive installations. Can you describe how you developed this kind of installations?

NP: I don’t really use the word installation. I prefer the word presentation or decoration. When I do a mural I never see the piece as one drawing on a wall. The wall is as important as the mural. I think the word decoration is more accurate because it implies that to you need a support to decorate. Decoration by it own is not really possible. You need the mug, the rug or the wall that you decorate first, only after you do the mural. Not the other way around. It’s the same in design, you first need the function of the chair to start designing it. I like coming after something that’s already here.

ATP: You alternate charcoal’s black and white to a vivid and colorful world. Is there a particular study behind your chromatic choices?

NP: I don’t make pictorial distinction between “black and white” or vivid color. At the end of the day there is not such thing as “black and white”, it’s a concept. The human eye sees the world in color, even a “black and white photograph” is a colored image. The difference between “black and white” and color is a conceptual and cultural difference and that is very fascinating. Humans created a world in “black and white” for cultural and ideological purposes.

Art history has been somehow divided into two sides. The partisan of drawing (black and white) or the partisan of painting (colors). And since the Renaissance both sides have been debating about the function of colors and it’s necessity. A very old debate, that could be very simply resolved by separating the mind to the feeling.

Those distinctions still remain very contemporary. When artists want to communicate ideas or concepts they will use black and white, a muted pallet that does not use bright and flashy colors. Difficult to imagine conceptual art, or cubism, in bright colors. Black and white is associated with rigor, order and seriousness. In opposition color is associated with superficiality, pleasure and insignificance. Difficult to imagine Jeff Koons, Murakami or Damien Hirst in black and white.

Interview by Elena Bordignon

Intervista con Nicolas Party, artista in mostra nella galleria kaufmann repetto, Milano, fino al 20 aprile 2015.

Abbiamo fatto alcune domande all’artista in merito alla sua mostra a Milano, e più in generale sulla sua ricerca.

ATP: Quali sono le principali fonti d’ispirazione del tuo lavoro?

Nicolas Party: L’idea stessa di “ispirazione” e? qualcosa di abbastanza difficile. L’ispirazione puo? provenire da molti oggetti diversi, da un libro di storia ad una barretta di cioccolato aromatizzato al ginger.
Mi piace Milton Avery. Mi sta ispirando in questo momento. In qualche modo, lui e? un miscuglio tra Rousseau, Gauguin e Alex Katz, tre artisti che amo. E’ come avere tutti i tuoi gusti preferiti in un solo cono gelato. Mi piace il modo in cui utilizza le superfici piatte per descrivere spazi e figure. Ma, soprattutto, sono ispirato e sorpreso da come egli produce i suoi dipinti. Le sue composizioni sono sempre li? li? per essere completamente sbagliate, ma lui riesce a renderle perfette attraverso un piccolo cambiamento. Il gabbiano sembra noioso e scontato in mezzo al cielo, ma, per la semplice ragione che si trovi solo un po’ spostato a sinistra, l’intero dipinto si fa vivo e dinamico. Lui riesce anche ad essere ironico nel mondo in cui compone i suoi dipinti, mi piace davvero questo aspetto.

In questo momento mi piace anche leggere Patrick Modiano e come lui descrive il tempo e la memoria. L’idea che il tempo sia un materiale di cui ti possa servire, come ti serviresti dell’argilla per dare forma ad ogni sorta di oggetto, e? molto bella. Mi piace vedere l’arte come uno strumento con cui viaggiare nel tempo e nella storia. Quando osservi i dipinti di Velasquez, due tempi diversi sono a contatto. Nel modo piu? naturale possibile, due estremi temporali collidono drammaticamente e si incontrano per un breve momento. E quando ti rechi al Victoria and Albert Museum di Londra, e? come essere in un grande brodaglia di tempi diversi, e? molto stimolante, non hai bisogno della DeLorean per viaggiare nel tempo.

Per di piu?, dopo aver trascorso una settimana in Italia, ho scoperto che l’esperienza del cibo ti puo? ispirare molto. Ogni singolo dettaglio e? risolto nel modo piu? semplice ma anche migliore possibile. Come in un dipinto di Morandi. Non ci sono decorazioni inutili sul piatto che potrebbero disturbare tale esperienza. E’ possibile solo quando il cibo e?, per modo di dire, “sicuro di se?”. Non ha bisogno di alcun mascheramento. Questo, credo, sia cio? che ogni artista tenta di ottenere.

ATP: Come hai sviluppato l’esibizione alla galleria Kaufmann Repetto? Come hai utilizzato il doppio spazio della galleria?
NP: Ho cercato di rispondere alla specifica natura dello spazio espositivo. In questo spazio in modo particolare ero interessato alla costante sensazione di accedere a nuovi spazi. Prima il portone per accedere al cortile, poi le porte per entrare in galleria, poi le strette scale per scendere al piano inferiore: vai sempre verso qualcosa che ti fa accedere alla stanza successiva e al lavoro seguente. E’ una delle ragioni per cui ho deciso di disegnare due donne che guardano, ancor di piu? in lontananza. Le vedi di spalle e le guardi osservando oltre l’orizzonte. Come nel dipinto di Carl Gaspard Friedrich “Wanderer above the sea fog”. Lo spazio e? separato da un muro e tu non puoi camminarcivi attraverso. Ma l’immagine dipinta sul muro in qualche modo lo consente, come Harry Potter alla stazione ferroviaria. Con l’obiettivo di creare contrasti, ho deciso di appendere un dipinto che guarda dritto lo spettatore, in fondo alle scale che conducono al piano inferiore, creando l’opposta sensazione dello spazio che diventa piu? piccolo.

Ovviamente, il fatto che la galleria abbia una struttura a due spazi e? stato molto importante. Questo agisce quasi come uno spazio-specchio. Prima di tutto, mi piace come questo coincida col fatto che la galleria sia capitanata da due sorelle. Mi piacciono queste coincidenze e cerco sempre di utilizzarle. Ho lavorato con l’idea dei gemelli, delle sorelle e delle coppie in modi diversi. Per esempio, i pastelli sono fatti a coppie, mi piace come essi, a prima vista, siano simili e come cominci a vedere le differenze dopo che cominci ad osservarli per lungo tempo. Le piccole differenze rendono ognuno dei pastelli diverso dagli altri. Inoltre, per quanto riguarda i due grandi disegni a muro, l’uno risponde all’altro. Creano una conversazione. Entrambi hanno un carattere diverso, ma coesistono nello stesso spazio.

ATP: Hai fatto due grandi disegni a carboncino direttamente sui muri, lavorando intensamente nello spazio. Come hai scelto i soggetti? Hanno un significato particolare?
NP: Recentemente ho provato a fare disegni a muro riproducendo, sul muro appunto, i lavori di altri artisti. Per questa mostra, ho riprodotto due nudi di Felix Vallotton. Ho cercato di vedere questo processo in vari modi. Potrebbe essere il classico esercizio di copiare un vecchio maestro. Ma, invece che andare alla galleria per vedere il dipinto per poi fare un disegno, ho fatto un disegno in galleria guardando il dipinto.

L’intero disegno proviene da un dipinto che esiste nella storia dell’arte, ormai fissato nel tempo. Ma per il fatto stesso di essere un disegno a muro, esso crea una riproduzione effimera e l’uso del carboncino lo rende fragile ed instabile. Mi piace il contrasto tra questi due aspetti. Il soggetto del nudo femminile e? qualcosa con cui volevo giocare in questa mostra. Una delle caratteristiche della galleria kaufmann repetto e? la forte presenza delle donne nel programma, infatti meta? degli artisti sono donne, cosa piuttosto unica ad oggi. Per la mostra ho voluto creare un pezzo che giocasse con tale aspetto. Facendo due grandi nudi femminili a scala nello spazio espositivo, ho voluto utilizzare un soggetto che fosse una caricatura dell’arte maschile. Ho voluto fare un pezzo che giocasse con il rapporto maschile con lo humor. Il mio lavora presenta spesso il tema della sessualita? e del genere. Sono affascinato dalla caratterizzazione di genere nella nostra societa? e da come questa influenzi molte dimensioni della nostra vita. I “Gender Studies” iniziarono negli anni Sessanta e credo che queste questioni siano ancora rilevanti in diversi aspetti della nostra societa?, in modo migliore o peggiore.

ATP: Nelle tue opere spesso spazi dai dipinti ai disegni, dagli oggetti alle sculture. Qual e? la differenza tra le forme rappresentate mediante paesaggi o oggetti stilizzati o quelle installate come oggetti?
NP: Le relazioni tra i lavori sono essenziali. In realta?, io non ho mai visto un lavoro per se stesso. Quando sono da soli, ho sempre la sensazione che ad essi manchi qualcosa, invece e? nella relazione stessa che penso accada qualcosa. C’e? bisogno di pomodori, olio d’oliva, sale e poi una persona che cucini, c’e? bisogno anche di un piatto, di un tavolo, di un ristorante, …non c’e? fine. Sono tutte queste cose l’una insieme all’altra che creano un buon pasto. Lo stesso vale per i colori: un colore da solo non ha alcun significato. E’ solo l’unione di piu? colori che fa accadere qualcosa in un dipinto. Per me, una mostra si ha quando lavori differenti, con voci differenti, sono in discussione tutti insieme.

ATP: Morandi e? spesso citato come il pittore, tra i viventi, per eccellenza in relazione col tuo lavoro. Cosa pensi di questo paragone?
NP: Il modo in cui Giorgio Morandi sta al di fuori di ogni movimento modernista e? molto affascinante nei nostri giorni e credo che molti giovani artisti siano davvero ispirati da questo aspetto. E’, in qualche modo, un metodo per ridefinire la liberta? e la creativita?. La storia dell’arte moderna insegna che l’arte contemporanea e? nata attraverso le avanguardie e i grandi cambiamenti che hanno portato, novita? ed originalita? sono i valori. Mi piace come alcuni artisti, come Morandi, vedano la novita? come qualcosa di non importante. E’ altro a cui essi guardano. Amo il lavoro di Morandi! Lui mi ha influenzato molto in vari aspetti. Il suo modo straordinario di lavorare strenuamente sul piu? semplice degli soggetti per arrivare al significato piu? profondo delle cose e? una grande lezione. E’ davvero una lezione su come guardare alle cose, su come guardare piu? in profondita? rispetto alla superficie delle cose stesse. Io credo che le abbia osservate cosi? a lungo da essere letteralmente dentro la materia degli oggetti. Dipingere gli atomi della bottiglia anziche? dipingere la superficie della stessa. Quando osservi i suoi dipinti, e? incredibile come essi abbiano questa apparenza, ogni cosa sembra muoversi ed ogni oggetto sembra essere vivo. In inglese, l’espressione “still life” implica l’idea di qualcosa che non e? in movimento. Io credo che Morandi osservava ogni cosa in movimento, come uno scienziato che osservava con un microscopio dentro la materia che compone le cose. Invece del microscopio, lui si e? servito dei suoi occhi per guardare e di un pennello per rendere il movimento visibile.

ATP: Nella tua mostra spesso si ha l’impressione di essere inseriti in un contesto reale. Non ti limiti a realizzare dipinti e disegni, ma crei installazioni inglobanti. Potresti spiegare come hai sviluppato questi tipi di installazioni?
NP: Io in realta? non utilizzo la parola “installazione”. Preferisco “presentazione” o “decorazione”. Quando realizzo un murale, non vedo mai l’opera come un disegno su un muro. Il muro e? importante quanto il murale. Credo che la parola “decorazione” sia piu? accurata in quanto implica che ti serva un supporto da decorare. La decorazione di per se stessa non credo che sia davvero possibile. Ti serve una tazza, un tappeto o un muro da decorare e solo poi realizzi un murale. Non al contrario. E’ la stessa cosa per il design: prima ti serve la funzione di sedia per cominciare a disegnarla. Mi piace venire dopo qualcosa che e? gia? qui.

ATP: Alterni carboncino nero o bianco ad un vivido mondo di colori. C’e? un particolare studio dietro la scelta cromatica?
NP: Io non faccio distinzioni pittoriche tra “bianco e nero” e colori vividi. Alla fine del giorno non c’e? niente di “bianco e nero”, e? un concetto. Gli occhi umano vedono il mondo a colori, anche una “fotografia in bianco e nero” e? un’immagine colorata. La differenza tra “bianco e nero” e i colori e? concettuale e culturale e questo e? molto interessante. Gli uomini hanno creato un mondo in “bianco e nero” per scopi ideologici e culturali. La storia dell’arte si e? divisa in qualche modo in due parti diverse. La parte dei disegni (bianco e nero) o la parte dei dipinti (colori). Dal Rinascimento entrambe queste parti stanno dibattendo in merito a alla funzione dei colori e la loro necessita?. Un dibattito molto vecchio, e potrebbe essere semplicemente risolto separando la ragione dal sentimento. Queste distinzioni sono ancora assai contemporanee. Quando gli artisti vogliono comunicare idee o concetti, utilizzano il “bianco e nero”, un pallet pacato che non si serve di colori brillanti e sgargianti. E’ difficile immaginare l’arte concettuale, o il cubismo, a colori. Il “bianco e nero” e? associato al rigore, all’ordine e alla serieta?. Al contrario, i colori sono associati alla superficialita?, al piacere e all’insignificante. E’ difficile immaginare Jeff Koons, Murakami o Damien Hirst in “bianco e nero”.

Intervista di Elena Bordignon

(Ha collaborato Marco Arrigoni)