Intervista di Barbara Ruperti —

Io vivo timorata, per l’occidente in caduta libera verso il . Divago tuttavia perché nelle vene pompa la musica, l’alcol scorre e voi, voi siete tutte tanto belle. Il mondo sarà pure in malora ma qui noi stiamo bene, a cura di Christy Eóin O’Beirne, Katherine Jemima Hamilton, Ariane Sutthavong, chiude il percorso della Young Curators Residency Programme coordinata da Michele Bertolino e sostenuto dalla Fondazione Sandretto Re Rebaudengo. Giunto alla sua 17esima edizione, il programma consiste in una residenza di ricerca intensiva in Italia rivolta a curatori e curatrici internazionali. 
Si conclude così a Guarene il viaggio che, a partire da febbraio, ha condotto i tre curatori dal nord al sud dell’Italia, attraverso il denso programma di studio visit, incontri con curatori, galleristi, collezionisti e direttori di museo, nei più rilevanti centri di produzione culturale del Paese. La mostra conclusiva raccoglie i lavori di sei artiste e artisti italiani, Enrico Boccioletti, Sara Enrico, Stefano Faoro, Benedetta Fioravanti, Rebecca Moccia, Valentina Parati, che riflettono intorno alla ri-eroticizzazione dei corpi, attraverso l’esplorazione dei momenti di calma degli eventi politici.
Accanto alla mostra, è stata ideata una pubblicazione che raccoglie i testi e i saggi visivi di altre sei artiste e artisti (tra loro, Riccardo Benassi, Giulia Crispiani e Flavia Tritto), prodotti intorno alla rivitalizzazione del linguaggio tramite la poesia.
In questa occasione Barbara Ruperti ha rivolto alcune domande ai tre curatori e curatrici che hanno partecipato alla 17esima edizione della YCRP.

BR Quali sono i vostri background nell’ambito della curatela?

KH: Siamo arrivati ​​alla curatela in modi piuttosto diversi, ma il nostro approccio alla realizzazione di mostre e alla comprensione delle offerte istituzionali sono piuttosto simili. Io ho un background di storia dell’arte tradizionale e non sapevo davvero cosa fosse un curatore fino al mio secondo o terzo anno di laurea. Anche se è una professione abbastanza ovvia: qualcuno deve pur fare le mostre. E poi, ho iniziato a essere più coinvolta nella scena gestita da artisti a Toronto, che è molto attiva a causa dei finanziamenti pubblici in Canada e del costo della vita relativamente basso nelle città (almeno fino agli ultimi anni). Ma la mia pratica personale si è formata durante i miei ultimi quattro anni nella Bay Area, che mantiene una forte atmosfera di comunità incentrata sull’artista e sul project space. Queste comunità di artisti affiatate che si prendono davvero cura l’una dell’altra per sopravvivere hanno modellato il modo in cui mi avvicino alla curatela, in particolare come distribuzione delle risorse.

CO: In gran parte, la mia pratica è formata e guidata dalla mia città natale, Bradford. Soffrendo in modo massiccio dalla deindustrializzazione e dal collasso economico, la città stessa ha dovuto trovare delle strategie per ricostruire un’identità dalle macerie. Lo stesso hanno fatto anche il patchwork di comunità migranti che vivevano al suo interno. Questo “processo in divenire” ha plasmato la mia pratica curatoriale. Gran parte di questa rigenerazione è stata, ed è tuttora, guidata dall’arte, il che mi ha ispirato molto crescendo e lo fa tutt’ora. Formalmente, possiedo una formazione artistica e ho studiato letteratura inglese e storia dell’arte a livello universitario. Il linguaggio informa ancora fortemente la mia pratica e la mia interpretazione dell’arte.

AS: Io ho studiato teoria critica e scrittura a Londra, ma mi sono appassionata alle arti quando sono stata coinvolta in un project space a Bangkok. Questo accadde un paio d’anni dopo che in Thailandia ebbe luogo il colpo di stato militare e la scena artistica era divisa, alcuni artisti sostenevano il regime e altri vi si opponevano. I piccoli spazi giocavano un ruolo vitale a quel tempo – ed è così ancora oggi, soprattutto perché ci sono poche istituzioni – nel mantenere vivi i dibattiti nonostante la censura e il monitoraggio da parte dello stato. Quindi, gran parte della mia ricerca esplora l’arte contemporanea come pratica anti-egemonica. L’arte contiene una contingenza che non è consentita nei regimi autoritari o neoliberisti.

BR Quali sono i temi di ricerca e le visioni che in questi mesi avete scoperto di condividere?

KH: Penso che le nostre pratiche si intersechino davvero nel nostro approccio con le istituzioni. Nessuno di noi è “curatore istituzionale” di per sé… anche se Christy e io abbiamo lavorato presso istituzioni. Ancora, pensando alla curatela come distribuzione di risorse: se stiamo allestendo una mostra a nome di un’istituzione, quali risorse, incluse ma non limitate a quelle finanziarie, possiamo fornire agli artisti e al pubblico? Si possono formare relazioni durature non solo con noi ma anche tra loro? E come possono questi progetti creare una programmazione stimolante e fornire un supporto a lungo termine incentrato sull’artista?

AS: Sono d’accordo, (ri-)creare una collettività era decisamente importante per noi. Avevamo tutti in mente la natura altamente competitiva e neoliberista del mondo dell’arte e delle sue istituzioni. Certo, noi tre siamo stati uniti insieme da un’istituzione, ma era importante che il risultato riflettesse sia la nozione di collettività che i processi che vi entrano in gioco.

CO: Facendo eco a entrambi questi pensieri, direi che concettualmente, sia all’interno della mostra che della pubblicazione, eravamo interessati a pratiche che cercassero di individuare e far germogliare i barlumi di collettività che rimangono quando la luce sembra oramai spenta. Per farla breve, eravamo tutti desiderosi di nutrire la collettività riunendo insieme questi artisti.

BR Rispetto alla scelta delle artiste e degli artisti, in quale fase della residenza avete notato che all’interno del team stavano emergendo linguaggi e contenuti condivisi?

KH: Abbastanza presto, già a febbraio, abbiamo iniziato a notare questo sentimento condiviso tra un gruppo artisti, che è finito per diventare il “tema” della mostra. Sapevamo fin dall’inizio che volevamo lavorare con un gruppo ristretto di artisti e per ognuno di loro mostrare più opere. E così, mentre continuavamo gli studio visit, vedevamo ogni artista in relazione agli altri che avevamo visitato prima e vedevamo come le opere degli artisti selezionati avrebbero giocato con gli elementi degli altri. Alla fine, penso che abbiamo prodotto una mostra collettiva piuttosto compatta in cui le opere entrano in relazione con più elementi della mostra e da diverse prospettive.

AS: Abbiamo parlato spesso anche di una “temperatura” condivisa. Quasi per caso, molte delle opere che ci sono piaciute e che abbiamo scelto per la mostra erano blu. Era come se fossero sempre appartenuti alla stessa fase del giorno – abbiamo parlato molto della “blue hour” durante le nostre conversazioni – ed erano pervasi dall’incertezza che questo momento portava, non sapendo se fosse l’alba o il tramonto.

CO: Sì, questa temperatura condivisa e la sensazione di silenziosa potenzialità erano molto pervasive nel lavoro degli artisti che abbiamo invitato per la mostra, e sono venuti a formare organicamente il concept della mostra. Gli artisti sembravano tutti condividere questo lessico indistinto. Abbiamo notato (e ci siamo aggrappati) alla bellezza e alla sfida che ci offrivano opere composte da frammenti, abbozzate, appena presenti, e la cui conseguenza era sfuggente o offuscata. Suppongo che questo si colleghi all’idea del cavallo di Troia descritto poco fa da Katherine, a quel “contrabbando” del significato, per prendere in prestito il termine di Irit Rogoff.

BR Parlando invece del tema della mostra a Palazzo Re Rebaudengo, come la quiete può diventare uno strumento di resistenza secondo voi?

KH: La quiete è molteplice: in un certo senso è resistenza, ma può anche rappresentare un rifiuto. Recentemente Franco “Bifo” Berardi ci parlava di diserzione, e di come oggi esista un movimento dei lavoratori dove l’azione non fa parte della protesta, i corpi non scendono in piazza, dove la contestazione si basa sul rifiuto di lavorare. Le persone abbandonano i loro posti di lavoro o le città eccessivamente costose in segno di protesta. In questo modo, l’immobilità o la quiete sono il riposo di cui si ha bisogno prima di poter compiere di nuovo un’azione. Ariane parlava spesso del tempo trascorso a protestare e di come fosse necessario un periodo di inattività al di fuori delle manifestazioni di strada, in cui le persone avevano bisogno di riposare, mettersi in pari, mangiare e organizzarsi per l’azione successiva. In questa prospettiva, l’“immobilità” è recupero, è organizzazione anche se non è un’azione.
È potente perché è potenziale. La quiescenza o l’immobilità diventano possibilità perché non sono azioni. Potrebbe succedere di tutto, il che la avvicina a un brusio erotico. In questo modo, l’immobilità incarna il rifiuto di continuare a partecipare ai cicli del tempo politico. La quiete apre nuove possibilità di resistenza dall’egemonia, perché non ha la forma riconoscibile che l’egemonia cerca e distrugge. Si tratta della possibilità di creare qualcosa di diverso, nuovo, radicale al di là persino di ciò che riusciamo immaginare in questo momento.

AS: Prima di riuscire a definire con precisione questa nozione di immobilità ed esaurimento, ci chiedevamo “cosa si deve fare quando l’egemonia si appropria di tutte le azioni radicali?”. In molti modi, stiamo tutti cercando di superare questo genere di appropriazione, lottando costantemente per trovare nuove vie di fuga. E se rimanessimo fermi un attimo? Questa idea è “scattata” in me durante la nostra visita in studio con Sara Enrico, che ha avuto luogo nella prima fase della residenza. Le sue sculture esplorano il tema della tuta, un indumento indossato da lavoratori o detenuti e parla di un’alienazione che poi lei capovolge. Tuttavia, abbiamo assistito anche a diversi casi in cui uniformi simili sono state appropriate da marchi di moda. Penso in particolare alla controversia sulla passerella della camicia di forza di Gucci, nel 2019. Questo è un fenomeno a cui è quasi impossibile sfuggire. Nelle sculture di Sara la radicalità non è diffusa, ma radicata nel corpo. Questa idea ci ha poi aiutato a concepire l’immobilità come una sfida.

Il 26 maggio a Torino, presso Fondazione Re Rebaudengo, verrà presentato il libro pubblicato da AXIS AXIS (Torino), dal titolo Io vivo timorata, per l’occidente in caduta libera verso il. Divago tuttavia perché nelle vene pompa la musica, l’alcol scorre e voi, voi siete tutte tanto belle. Il mondo sarà pure in malora ma qui noi stiamo bene., che sarà presentato con un programma pubblico, durante il quale le autrici e gli autori leggeranno i contributi pubblicati. 
Nelle sale del Palazzo, accanto alla mostra conclusiva della Young Curators Residency Programme, si schiude “Raw” la bipersonale di Félixe T. Kazi-Tani e Sido Lansari a cura di Bernardo Follini, in collaborazione con l’Ensba di Lione. 

Non molto lontano, sulla Collina di San Licerio, è possibile ammirare la scultura luminosa di Marinella Senatore, “In ognuno la traccia di ognuno”, in permanenza presso il Parco d’Arte Sandretto Re Rebaudengo.